AFTER THIS OUR EXILE

La sección oficial comenzó con la proyección de "After This Our Exile", la película con la que Patrick Tam ha regresado maravillosamente a la dirección, y es que su última aparición como director, en "My heart is that eternal rose", fechaba de 1989. En ese lapso de casi dos décadas, el cineasta hongkonés ha destacado en su calidosa y reconocida, a la vez que escasa, labor como montador: suyos han sido los montajes de "Days of Being Wild" y "Ashes of Time" de Wong Kar-Wai y "Election" de Johnnie To. Lo que de entrada más llama la atención de este su nuevo film, si nos fijamos, es lo recargado y complejo del título internacional en inglés en contraste con la simplicidad y brevedad del chino: "Fu zi", es decir "Padre e Hijo". Parece que el título internacional pretenda reflejar el tono elevado de la película, a la vez que un paralelismo con la vida real, quiero decir, con la trayectoria como director del propio Tam. Nos presenta, pues, la radiografía exhaustiva de la relación entre un padre y su hijo pequeño, tras la quiebra del núcleo familiar que integraban junto con la madre del chico. La relación de la pareja adulta llega a su punto álgido de degeneración, y las ansias de cambio e independencia de la mujer llevan a padre e hijo a la conmoción y trabucación de su vida y orden cotidianos. Antes se nos describe explícitamente la recta final de conflicto de la pareja, donde cabe destacar la apabullante interpretación del actor Aaron Kwok, que mantiene un ritmo de tensión increíble, siendo cada uno de sus pasos un impacto y dando la impresión de estar al borde de una explosión de violencia en todo momento. La segunda parte del extenso metraje, en la que se puede empezar a relacionar la historia con la palabra "exile" del título inglés, se centra en el descenso del protagonista hacia la pequeña delincuencia, arrastrando hacia ella a su propio hijo. Pero quizás lo más destacable del film es, precisamente, el propio montaje, a cargo del mismo Tam, e incontestable prueba de su dominio en esa labor del proceso cinematográfico: es fluído, harmonioso unas veces, vertiginoso otras, dando un dinamismo y vitalidad a la película más propio de los filmes de acción, y llega a su máxima expresión en esa espeluznante escena cercana al final de la película en la que el protagonista aparece con la oreja vendada... Con unos flashes muy impactantes, se nos dan a conocer a posteriori las razones de su lesión. Sin embargo, tras todo el desarrollo de la película, que en conjunto he de considerar muy satisfactorio (si bien una cinta de 150 minutos tiene casi por definición sus altos y bajos), hay que preguntarse si el final de la misma, que no voy a desvelar, supone una dosis de edulcoramiento demasiado elevada (con flashbacks gratuitos que añaden una nota de ternura inexistente durante el resto del film), llegando a contradecir una, por lo menos aparente, tesis de determinismo, ya sea social o natural. El sonido y la música, que baila entre piezas clásicas y ruidosamente modernas, estallando a veces en momentos de calma y silencio absolutos, acaban de poner la guinda a este recomendable film.


FAMILY TIES

Este año en el BAFF ha sido destacable la alta presencia de films que abordan la difícil fusión o alternancia entre drama (o melodrama) y comedia. Unos con más de lo primero, otros con más de lo segundo: en el caso de "Family Ties", la empresa se ha afrontado de un modo bastante equilibrado. De entrada, hay que reconocer que este largometraje coreano se hace simpático de principio a fin y cuenta con una ingeniosa historia dividida en tres hilos argumentales que acaban por fundirse al final. Las tres narraciones se centran en las vicisitudes de unos personajes que en todos los casos transgreden el modelo tradicional de familia coreana. La pantalla es invadida constantemente, por decirlo con términos suaves, por la falta de paciencia exasperante de los protagonistas, llegando a convertirse el producto en un desfile estridente de histéricos y neuróticos. Los que salen más bien parados de este panorama son los personajes femeninos, que conforman un nuevo prototipo de mujer más independiente, moderno, autónomo y exitoso en la lucha contra las imposiciones de sus roles sociales. La película pone en cuestión ciertos pilares de base de una sociedad que, tras experimentar un rapidísimo progreso económico, tecnológico y cultural, se enfrenta ahora al cambio social y a uno de los mayores choques generacionales que haya sufrido un país que haya ingresado al club del llamado bienestar. Es algo que también estará en el trasfondo de otra excelente película coreana de este año en la sección oficial, "No Regret", y ese algo es donde, en el caso de "Family Ties", reside el máximo interés del film, ya que otros aspectos, como por ejemplo los momentos cómicos, dejan bastante que desear. Sin embargo, por el ambiente de la sala, la película pareció tener bastante buena acogida e incluso se podía considerar una candidata firme a llevarse el premio del público.


THE EXAM

"Una película basada en una historia real, rodada con actores no profesionales que en muchos casos se interpretaban a sí mismos", rezaba el comentario sobre "The Exam" incluido en el catálogo del festival. Esa frase fue el motivo que me decantó por acudir a la proyección de este film, en vez de a la de "Platform" de Jia Zhang-ke. Si bien este último se ha convertido en uno de mis cineastas favoritos gracias a joyas como "The World" o "Still Life", sus películas son ya fáciles de conseguir en España, mientras que "The Exam" no lo será tanto, ni mucho menos. El film nos narra la lucha administrativa de una profesora de un recóndito pueblo para conseguir el traspaso a la ciudad donde residen sus hijas universitarias, cuyo modo de vida moderno la tiene preocupada. Mientras los jóvenes alumnos de la maestra deben quedar un año más en primera posición del examen oficial de colegios de la zona, ella se embute en un traje impermeable para recorrer a pie y a través del agua poco profunda las seis horas que separan el pequeño lugarcito del núcleo urbano. El contraste entre lo rural y lo urbano se hace explícito en el film, llegando a su máximo cuando las hijas, acostumbradas a las comodidades que han conocido en la ciudad, se niegan a regresar a un pueblo donde ni siquiera hay electricidad. "The Exam" es, sin duda, una producción austera, sin anchas pretensiones y que cumple su afán documentalista a la perfección, afablemente y con una bella fotografía. La línea argumental flojea, sin conseguir la fuerza deseable (no se profundiza lo suficiente en los vínculos y relaciones entre personajes) y pecando a veces de un tono demasiado ingenuo, pero no deja de mostrarnos una realidad interesante que contrapone, otra vez más, varias caras de un país tan desigual y heterogéneo. Obtuvo una merecida mención del jurado.

RAIN DOGS

El director malasio Yuhang Ho, quien con sus filmes precedentes ganó menciones en los festivales de Pusan y Rotterdam, ha participado con su nuevo trabajo en el BAFF '07, pero parece que ha pasado sin pena ni gloria por la sección oficial. Si bien de entrada la ambientación fría y la línea argumental desapasionada de este su último largometraje parecen tener todos los números para dejar indiferentes a muchos espectadores, cuanto más tiempo pasa tras el visonado y reflexiono sobre el cometido del film, más estimable y de mejor recuerdo se me hace. El guión de "Rain Dogs" pudo haber dado a luz a una película violenta con altas dosis de acción. Los ingredientes los tiene: asesinatos, atracos, palizas, secuestros, delincuencia y armas. Pero el afán de Yuhang ha sido otro muy distinto: el de crear un drama sereno y lento, siguiendo la estela vanguardista de Weerasethakul, Ratanaruang o Tsai-Ming Liang, recurriendo a la elipsis en los momentos de acción y violencia, para dejar claro que sus intenciones son otras. De no ser así, quizá su película se habría proyectado en la sección Asian Selection y no en la oficial. Y quizá en esa evasión de la acción, el conflicto explícito y el arrebato, residirá para muchos el defecto de "Rain Dogs". Lo que se nos ofrece, en cambio, es la evolución sutil de un personaje joven que abandona la adolescencia y pierde en ese tránsito los últimos vestigios de inocencia, siendo el detonante de todo ello el asesinato de su hermano mayor. El joven huye del bullicio decadente y oscuro de la gran ciudad (encontraremos, en efecto un retrato no precisamente lisonjero de Malasia y su capital Kuala Lumpur) para tomarse un tiempo en el pueblo de su tío, que deslumbrará gracias a la fotografía de Gay Hian Teoh, responsable también de la fotografía de "Opera Jawa" y de la de los films de James Lee, entre los cuales la también presente en el BAFF de este año "Before we fall in love again". La película, en fin, empieza y acaba prácticamente in media re, sin desarrollar un argumento palpitante, optando por que no sucedan los hechos que se anuncian y se esperan, dejando una sensación amarga y consiguiendo, en el sentido menos glamuroso posible, una alta dosis de realismo.

SUMMER PALACE

Este año el Durián de Oro, premio concedido por Casa Asia y dotado de 6.000 euros, ha sido otorgado a la  producción China “Summer Palace” del director Lou Ye. No es de extrañar puesto que ésta fue la única película de la quinta generación de cineastas chinos que aspiraba a la Palma de Oro en la quincuagésima novena edición del festival de Cannes (2006). Lamentablemente, la gran cantidad de escenas sexuales sumadas al hecho de ambientar varias escenas durante el trágico episodio de la plaza Tiananmen en 1989 han chocado con los intereses del gobierno de la República Popular. El aparato político no sólo no ha permitido estrenar esta obra, sino que además el director va a tener que enfrentarse a la prohibición de poder rodar durante los próximos cinco años. La película relata una historia de amor que transcurre entre 1988 y 2003. La historia comienza cuando Young Hong, una hermosa joven visceral y melancólica, deja su pueblo natal para ir a estudiar a Beijing. En la universidad conocerá Zhou Wei del que se enamorara perdidamente y con el que iniciará una relación. Las infidelidades de Zhou y el carácter obsesivo de la joven harán que la relación se rompa en varios momentos. La ruptura de la  relación se desencadena paralelamente a la represión que sufrieron los estudiantes prodemocráticos por parte del gobierno en el 89. Después del incidente se nos narran por separado las vidas de los personajes, puesto que Young deja la universidad y Zhou, al acabar sus estudios, emigra a Alemania. A pesar de la distancia, las relaciones que mantienen con otras personas y la distancia que los separa  no consiguen olvidarse el uno del otro. Una película donde ni la brutalidad ni el profundo erotismo impiden que se desarrolle de forma impresionantemente lírica un retrato generacional excelente.

LIFE CAN BE SO WONDERFUL

Este fue el primer largometraje japonés al que asistí este año, y la decepción no pudo ser mayor. Curiosamente, la sala estaba llena esta vez (más que las películas en sí o el renombre de cineastas o actores, los factores determinantes para llenar una sala son la hora y el día). “Life Can Be So Wonderful” es el resultado de la suma de cinco cortometrajes dirigidos por Osamu Minorikawa, cuyo nexo en común es ante todo la cursilería, seguida por la insulsez del discurso y una interesante y pretendida dejadez formal gracias a la mezcla de blanco y negro con color, los movimientos de cámara y el estilo de grabación doméstico y documental, que consigue un tono cálido e íntimo. Sin embargo, las pretenciosas voces en off que nos conducen en todo momento acrecientan la ridiculez del mensaje (vacío, trivial, sin dar ninguna profundidad real a su afán detallista), y aunque ocasionalmente se nos ofrecen reflexiones de mayor nivel, cuatro pinceladas no pueden sacar a flote el producto. La presencia de Ryuhei Matsuda, joven actor cada vez más popular, es poco más que testimonial y constituye claramente el reclamo comercial más destacable y falaz de la película.

GETTING HOME

La nueva película de Zhang Yang era una de las más esperadas de esta edición. “Getting Home” es mucho más ambiciosa y aparatosa que cualquier de sus filmes precedentes, sin duda su mayor producción hasta la fecha. Con todo, no logra escapar de la sombra de su mejor y más popular obra, es decir, “La ducha”. Se distancia de ella mucho más que la sencilla y templada  “Sunflower”, que facturó en 2005, y el mayor caudal invertido en esta su cuarta película quizá convertirá “Zhang Yang, el director de La Ducha” en “Zhang Yang, el director de Getting Home". Pero la gracia, la simpatía y el carisma de su segundo film superan otra vez a su trabajo más reciente. A lo que vamos: “Getting Home” es un buen compendio de varios elementos que integran comedia, drama y análisis social. La cámara sigue a Lao Zhao, interpretado por un excelente y soberbio Zhao Benshan, durante su extenso y agotador viaje por China para llevar el cadáver de su mejor amigo, muerto en un accidente laboral, a su familia. La picaresca que Zhao Benshan confiere a su personaje, por cierto, nos podría recordar su anterior y emblemática interpretación en “Happy Times”.  Durante el trayecto, la diversidad de escenarios y personajes con los que interacciona Lao nos mostrarán las muchas y distintas caras de un mismo país, combinando gags ingeniosos y agudas ocurrencias con el descenso a tropezones hacia un tono solemne, emotivo y dramático. La visita a un pueblo abandonado de la región de las Tres Gargantas, que deberá ser anegado por la construcción de la presa, nos traerá a la mente otra obra, presente en este mismo festival: “Still Life”.

STRAWBERRY SHORTCAKES

Puedes ver la crítica de esta película haciendo click aquí.

NO REGRET

Esta fue una de las mayores sorpresas y más agradecibles películas de las presentes en la sección oficial. Tras un envoltorio grave y pesimista, se esconde un inteligente drama aderezado con varias pinceladas tragicómicas. Se expone en ella una realidad social referente a la homosexualidad poco vista hasta ahora en la cinematografía surcoreana, y se convierte por ello en toda una pieza loable de crítica social y análisis del choque generacional abismal que vive ese país: “En esta época, sería mejor no tener padres”, sentenciará uno de los dos protagonistas, dos chicos que se enamoran y de cuya relación más vale no desvelar detalles. El film termina desplegando una trama de consecuencias exageradas pero efectivas y espectaculares, con un punto final que delata el afán cómico latente que subyace durante todo el metraje y que el ojo poco avizor podría confundir con errores no intencionados. Película que rompe tabúes, que incomodará a mentes cerradas y que hay que considerar el gran resultado de la optimización inmejorable de los pocos medios relativos con los que se llevó a cabo. En fin, por poco que uno sepa sobre la realidad social de Corea del Sur hoy en día, resulta evidente el logro y la importancia que supone un filme de este tipo.


Texto por Joan-Pol Argenter, excepto por “Summer Palace”, por Héctor Gimeno.